Cannes en Live ! - Blog sur le Festival de Cannes 2018

Lost River de Ryan Gosling : plongée en eaux troubles

par Jérôme
le 10 avril 2015 à 00:26

Lost River est le premier film de l'acteur canadien Ryan Gosling et celui-ci fut présenté à Cannes en 2014 dans la section Un Certain Regard. Le film qui était pourtant très attendu avait alors divisé mais n'avait pas laissé indifférent.

Le film sort enfin sur nos écrans français ce mercredi 8 avril et l'attente fut longue. Nous avons eu la chance de le découvrir en avant-première à Paris. Ryan Gosling et Reda Kateb étaient présents et ont répondu aux nombreuses questions des spectateurs troublés et marqués. Nous allons tenter de vous retranscrire dans ces quelques lignes nos émotions tout en vous communiquant des pistes de lecture utiles pour vous préparer au mieux au spectacle.

Lost River est un cauchemar éveillé et une œuvre qui emprunte à de nombreuses références : on pense beaucoup à David Lynch et à Twin Peaks, parfois à Malick (pour la beauté des plans), à Kubrick (pour les travellings avant) et enfin à Nicolas Winding Refn et Derek Cianfrance, tous deux amis de Ryan Gosling l'ayant dirigé auparavant. Avant de vous plonger dans ce « Dark Goonies » comme le décrit lui-même le réalisateur, soyez prêts à vous laisser embarquer pour un voyage troublant, à la fois familial, arty, glauque, et fascinant.

Dès le générique, nous avons été saisis par la beauté des images. Ryan Gosling a de belles références certes mais il les utilise réellement à dessein de son histoire, sans plagier. En admirateur du travail de Gaspar Noé, Ryan Gosling s'est offert son directeur photo attitré : Benoit Debie. Lost River a été retravaillé depuis sa présentation à Cannes car il utilisait alors des musiques empruntées et donc non autorisées. Du coup, Ryan Gosling a fait alors appel à Johnny Jewel qui avait signé les compositions de Bronson et Drive de Nicolas Winding Refn, le compère de Ryan Gosling. Le résultat est une bande originale qui colle aux tympans et qui apporte beaucoup à l'ambiance globale du film.

Devant le trouble qui gagne le spectateur (on a l'impression d'être en immersion), on en vient à se demander d'où vient la genèse de cette histoire. Ryan Gosling a répondu avec humour à cette question en disant « qu'il était passé derrière la caméra pour la sécurité de l'emploi ». En vérité, c'est en découvrant l'état dans lequel se trouvent certains quartiers de la ville de Détroit (autrefois emblématique du rêve américain) que l'urgence de filmer là-bas une histoire oscillant entre rêve et réalité lui est venue. Lost River a ainsi été filmé en décors réels à Détroit même. Egalement, certaines séquences s'inspirent aussi de l'enfance et des peurs enfantines du réalisateur. Pourtant, ce n'est pas pour sa dimension cathartique que le scénario de Lost River impressionne. Ryan Gosling révèle un immense talent pour ménager le suspense et captiver son spectateur. La scène dite de la « station-service » trône en cela parmi les scènes les plus angoissantes qu'il nous ait été offert de découvrir depuis ce début d'année cinématographique 2015.

Lost River n'est pas un délire graphique gratuit ni encore moins un exercice de style visuel prétentieux : c'est un conte de fées cauchemardesque dans un univers post-crises où règne la sauvagerie. Le malheur présent y est représenté comme une malédiction imaginaire. Chacun est libre de s'adapter selon ses contraintes (en particulier familiales) ou bien, le cas échéant, de prendre une nouvelle voie…

Pour un coup d'essai, voilà bien une belle réussite. Notre seul petit bémol sur cette première composition du talentueux Ryan Gosling viendra du fait que celui-ci n'a finalement rien inventé avec Lost River. David Lynch a marqué le Cinéma au fer rouge avant lui. Mais sa maitrise est saisissante. L'expérience est de taille et il y a de fortes chances que de nombreuses images vous marquent à votre tour. De mon simple avis, Lost River est un futur film culte. Pas moins.

On vous laisse avec la bande-annonce du film :

« Les Merveilles » : 50 nuances de Cannes

par Jérôme
le 12 février 2015 à 21:53

Cannes est un océan de surprises. Avril 2014. Conférence de presse du festival de Cannes. L'annonce de la sélection en compétition officielle du deuxième film de la réalisatrice italienne Alice Rohrwacher est inattendue. De la bouche même de Thierry Frémeaux, la réalisatrice aurait elle-même été la première étonnée. Mai 2014 Les Merveilles reçoit le Grand Prix du Jury présidé par Jane Campion, à la surprise générale. A Cannes, comme vous le savez bien, tout est possible. Car le film Les Merveilles est effectivement aux antipodes de ce que l'on peut voir habituellement dans nos salles de cinéma en 2015. En revanche, le film est totalement en phase avec les découvertes que l'on peut faire à Cannes, où sont révélés chaque année de nouveaux talents.

En résumé, les 4 filles de l'apiculteur Wolfgang vivent à l'écart du Monde dans une ferme délabrée où leur famille produit du miel depuis des années. Rien ne semble changer dans cette région perdue et le père de famille a peur de la fin du Monde. Le quotidien de cette famille (peu) ordinaire va être perturbé par l'arrivée d'un jeune délinquant qu'ils vont accueillir dans le cadre d'un programme de réinsertion. Gelsomina, la jeune héroine de cette histoire, va alors commencer à s'opposer à son père.

Les Merveilles dénote aussi bien de par sa forme que dans son fond. Parlons tout d'abord du fond : le film enchaine plusieurs sujets antinomiques comme la naissance des sentiments amoureux chez les adolescents, la prise de position, l'identité culturelle, la télé réalité, l'appartenance à une communauté…Une humilité semi-autobiographique est le fil rouge entre tous ces thèmes. Dans quel but ? N'ayez crainte : le surréalisme de l'image de fin vous le révèlera. Le temps a des effets irréversibles que nul ne peut enrayer.

Sur la forme, la réalisatrice ne fait preuve d'aucun artifice visuel ni sonore. En totale rupture avec les technologies actuelles, l'image et le son sont ceux des productions des années 80 sur support argentique que l'on aurait passablement restaurés. L'effet « flashback » pour les plus de 40 ans est total. Pour les autres, habitués à la netteté du numérique et à la 3D, la rétrogradation risque fort d'être très déroutante. Mais le réalisme est criant. Vous l'avez compris : Alice Rohrwarcher ne fait pas du tout dans le style du « C'était mieux avant ». Au contraire, le retour à la ruralité primaire est filmé comme un cauchemar par la réalisatrice, contrairement au titre du film « Les Merveilles ».

Surprenant et inattendu spectacle : histoire de femmes, raconté par une femme, porté par l'icône Monica Belluci au générique, le film avait bel et bien tout pour plaire à la grande réalisatrice Jane Campion.

Vous avez envie de remonter le temps et de découvrir Les Merveilles, le Grand Prix du jury de Cannes 2014 ?

AdVitam, le distributeur du film, vous offre des places de cinéma valables partout en France. Pour cela, vous devez suivre notre fil twitter @cannesenlive et surveiller l'annonce de notre jeu concours. Bonne chance et soyez rapides !

On vous laisse avec la bande-annonce du film :

« Les Nouveaux Sauvages » : découvrez une vraie comédie de fous !

par Jérôme
le 13 janvier 2015 à 11:18

Il est temps de rire un peu grâce à ces Nouveaux Sauvages, dans sa version originale Relatos Salvajes, second film du jeune réalisateur argentin Damian Szifron (40 ans, c'est jeune hein). Peu de monde (nous y compris) avait entendu parler de lui avant Cannes 2014. Allons droit au but : c'est un bijou pour tout amateur d'humour noir. L'expérience est jubilatoire.

Nous avons effectivement beaucoup ri, mais aussi grincé des dents, devant ses 6 sketchs dont le point commun est une maladie contemporaine communément décrite par l'expression "perdre les pédales".

La première heure du film est de très haut vol (« presque » sans jeu de mots de ma part compte tenu de la détonante introduction du film dans un avion). Et après ce décollage fort réussi, vous allez vous délecter, entre autres, d'une course poursuite qui aurait pu figurer dans le Boulevard de la mort de Quentin Tarentino, ou encore d'un mariage fiasco que même Lars Von Trier n'aurait osé imaginer pour son Melancholia. Qui dit films à sketchs, pense forcément à séquences inégales. Et pourtant, à la fin des 2 heures de projection qui glissent comme une mariée en escarpins jetée sur une patinoire, il y a fort à parier que vous soyez frustrés de ne pas pouvoir en savourer d'avantage.

Ces 6 caricatures du quotidien moderne reposent toutes sur le même principe : jusqu'où peut aller un individu quand celui-ci lâche totalement prise sur lui-même et laisse exploser ses pulsions primaires de violences ? Cette « méchante » comédie nous a doublement surpris en compétition à Cannes dont les films n'ont pas pour habitude de déclencher l'hilarité générale.

Ce Relatos Salvajes est aussi osé que décapant ! Un croisement inattendu entre les Nouveaux Monstres de Dino Risi et Pulp Fiction. D'un point de vue de la narration comique, Damian Szifron maîtrise aussi bien la technique que les effets. Filmées en scope, chaque histoire nous entraine au-delà de frontières de décence que l'on n'avait pas vues aussi effrontément franchies depuis Albert Dupontel avec son premier film Bernie.

Prenez par exemple l'histoire de ses deux chauffards en colère : elle est aussi pathétique que burlesque tant la surenchère y est constamment relancée et minutieusement cadencée. Le scénario de Damian Szifron n'est ni gratuit ni vain car chacune de ces histoires de gens ordinaires en prise des « pétages de plombs » pas ordinaires communique réellement au spectateur une forme de plaisir libérateur. Ce plaisir de spectateur est-il « coupable » ? C'est bien en cela que réside la réussite du film qui nous divertit avec un culot et une impolitesse dont personne ne saurait user dans son quotidien…Ne perdons pas de vue que nous sommes dans une comédie, et que le burlesque nait de l'exagération des situations.

Le réalisateur Damian Szifron s'explique : « Je pense souvent à notre société occidentale et capitaliste comme une sorte de cage transparente qui amenuise notre sensibilité et dénature nos rapports. Les Nouveaux Sauvages opère sur un ensemble d'individus qui vivent dans cette cage tout en ignorant son existence. Mais là où n'importe qui déprime ou tente de se maîtriser, eux passent à l'action. La multiplicité d'histoires implique pour moi un acte libérateur en soi, car cela me relie directement au moment où j'ai pris goût à la lecture. Je me souviens comme si c'était hier de la découverte, dans la bibliothèque familiale, d'un tas d'anthologies éditées par le «Cercle des lecteurs» ayant captivé mon attention: Récits des maîtres du crime, Les maîtres du mystère, Les maîtres de l'horreur. Plus tard, viendraient les Histoires fantastiques produites par Spielberg, les New York Stories de Scorsese, Coppola, Woody Allen, ou encore les Neuf nouvelles de J.D. Salinger. Les chemins que toutes ses oeuvres ont frayés dans ma conscience ont configuré l'espace qui m'invite aujourd'hui au jeu, à la liberté créatrice et à l'expérimentation. »

Co-produit par la société de Pedro Almodovar et distribué par Warner Bros, Les Nouveaux Sauvages est une succession de sensations fortes comparables à des attractions de fêtes foraines. Alors accrochez bien vos ceintures. Vous êtes prévenus ! Thierry Frémaux avait annoncé que ce serait le film le plus original de la sélection officielle en 2014. Il n'avait pas tort.

Depuis son passage à Cannes, le film a cartonné au box-office argentin et fait office de favoris aux BAFTA européens… Nous voilà donc rassurés : nous ne sommes pas les seuls « malades » à apprécier ce genre de spectacle.

Qu'on se le dise : Relatos Salvajes est un film de fous, dans un monde de dingues... qui devrait faire écho en chacun de nous. Un défouloir cinématographique à déclarer d'intérêt public.

Restez vigilants sur notre fil Twitter @cannesenlive dès mercredi prochain car nous vous aurons le plaisir de vous faire gagner des invitations à découvrir Les Nouveaux Sauvages en salles. Elles sont valables dans toute la France.

Voici la bande-annonce du film même si nous vous conseillons d'en voir et d'en savoir le moins possible ;-)

Queen and Country: John Boorman de 7 à 77 ans

par Jérôme
le 11 janvier 2015 à 21:22

par Queen and Country fut présenté à la Quinzaine des Réalisateurs en mai 2014 lors du dernier festival de Cannes. Il arrive dans nos salles de Cinéma en ce début d'année 2015 pour nous égayer et c'est notre film « coup de cœur » de cette semaine.

Il faut dire que nous n'attendions pas ce nouveau film du réalisateur John Boorman compte tenu de son âge. Car le nom de John Boorman ne parle peut-être pas forcément aux plus jeunes d'entre vous mais pour beaucoup de cinéphiles, il demeure le réalisateur de grands films. Sa filmographie alterne grands succès populaires et films injustement oubliés et pourtant tous sont remarquables : de grand succès publics comme Excalibur et Délivrance bien sûr, mais aussi l'émouvant La forêt d'émeraude, Le Général et son magnifique noir et blanc, le kitchissime Zardoz avec Sean Connery, Rangoon avec Patricia Arquette, ou encore Hope and Glory (la guerre à 7 ans) inspiré des souvenirs d'enfance du réalisateur.

Queen and Country fait justement suite à Hope and Glory et se déroule neuf ans après la fin de ce premier film autobiographique, en 1952 très exactement. John Boorman était alors appelé à rejoindre le corps militaire pendant deux ans sous les drapeaux comme tous les autres jeunes garçons de 18 ans en Grande-Bretagne. Le réalisateur avoue que la plupart des personnages du film sont inspirés de sa propre famille et des personnes qu'il a pu rencontrer à cette époque. Tous les événements du film se sont donc déroulés de manière quasiment identique.

Pour reprendre les propres mots du réalisateur : « L'Angleterre était encore dans le traumatisme de l'après-guerre. La population venait seulement de vivre la fin du rationnement. C'était un pays désolé et l'Empire vivait ses derniers instants. Nous, les jeunes, rejetions cette société de classes et de privilèges et aspirions à un pays plus juste et égalitaire - c'est ce qui accompagne l'histoire du film. Quand mon père était à la guerre, je savais que ma mère avait une aventure. Je me suis retrouvé face à un choix cornélien : devais-je trahir ma mère ou trahir mon père ? J'ai adapté ce dilemme dans le film. »

Queen and Country apparait donc au premier plan comme une comédie autobiographique sur fond d'après- guerre locale. Mais c'est aussi une lumineuse reconstitution des souvenirs du réalisateur et un beau travail de mise en scène sur la mémoire. La reconstitution à l'écran est saisissante y compris dans les détails des vêtements et du mobilier. On a du mal à imaginer l'émotion pour le réalisateur de raviver ainsi des souvenirs enfouis depuis plus de 60 ans.

Mais la force du film repose dans son humour « so british » : Queen and Country empaquette la rigueur militaire et l'absurdité de la discipline outrancière en évitant les pièges du brûlot. La première partie présente les facéties des 2 réfractaires, y compris leur attirance pour les infirmières. Ensuite, le réalisateur développe leurs mauvais esprits et leurs « sales » blagues, à la manière de M.A.S.H de Robert Altman. Le passage du vol de l'horloge offerte par la Reine est jubilatoire. Malgré des airs assez académiques, l'ensemble est très plaisant et agréable à suivre. D'autant plus qu'une brillante brochette d'acteurs et actrices britanniques tonifie le film. Les seconds rôles trouvent également une place en or avec en particulier David Thewlis en cinglé du code militaire et Brian F. O'Byrne en supérieur rigide.

Sans nostalgie plombante, et loin du film « testament » ou « bilan », Queen and Country déborde de fraicheur vivifiante et d'une énergie communicative, surtout lorsqu'il décrit également les premiers véritables émois amoureux.

C'est peut-être là l'ultime message universel que le réalisateur souhaite nous livrer avec cette œuvre hommage à la jeunesse et à l'amitié. John Boorman peut (s'il le souhaite) prendre sa retraite sans rougir.

« Timbuktu » : Poésie contemporaine en provenance de la Terre du milieu

par Jérôme
le 08 décembre 2014 à 11:22

Abderrahmane Sissako est un réalisateur mauritanien et s'il vous est inconnu, vous allez (comme nous :-)) devoir apprendre à écrire son nom.

Timbuktu est l'un des plus beaux films qu'il nous ait été offert de découvrir cette année. A Cannes, nous sommes ressortis choqués et éblouis par la pudeur et la brutalité de cette fiction mauritanienne. Une belle ironie du sort alors que Thierry Frémaux oublia non intentionnellement en conférence de presse de citer la présence du film en compétition officielle.

Le film s'ouvre sur la course d'une gazelle en plein désert filmée en Cinémascope. Premier plan saisissant qui résume à lui seul la puissance du film. 2012. Nord du Mali. Kidane mène une vie simple et paisible dans les dunes, non loin de Tombouctou sous les jougs des extrémistes religieux. Il est entouré de sa femme Satima, de sa fille Toyan, et de Issan. Mais la paix fragile peut s'arrêter à tout moment et la sérénité peut fléchir sous le régime de terreur des djihadistes...

Plusieurs mois ont passé depuis Cannes d'où Timbuktu est injustement reparti bredouille et l'actualité a depuis rattrapé le sujet du film : Timbuktu réussit à exposer avec simplicité et justesse le fanatisme religieux. D'une certaine manière, on peut comparer ces qualités à celles du magnifique Persépolis de Marjane Sartrapi qui nous avait ébloui en 2007. Dans ces 2 œuvres, les femmes apportent la sagesse et la lucidité et illuminent un Monde envahi par la barbarie. Les nuances pudiques de la mise en scène renforcent leurs positions face à la répression locale. L'imperturbable sérénité des paysages du désert souligne enfin l'universalité des situations.

Une question nous taraude alors à laquelle le réalisateur même n'a pas de réponses: quelle place pour la foi quand la folie gagne les hommes et que la barbarie domine???

Il y a de la Grâce dans la mise en scène de Sissako qui conjugue une Poésie visuelle extrêmement rare dans les productions cinématographiques actuelles. L'exemple le plus frappant est la scène de l'"air foot": un match de football sans ballon (car interdit par les djihadistes) filmée au ralenti qui vous saisit alors qui nous étions hilares auparavant au détour d'un dialogue à propos de l'équipe de France de 1998. Poésie renforcée par une magnifique photo et des images superbes aussi bien dans les cadres que dans les paysages: Timbuktu est également une splendeur visuelle.

Nous voyons rarement des films africains dans les salles françaises (car peu distribués) mais Sissako est l'un des plus grands représentants du Cinéma issu du continent africain. Saviez-vous qu'il n'y a plus de salles de Cinéma au Mali? Nous avions déjà découvert l'un de ces précédents films Bamako en 2005 à Cannes. Depuis le film Bamako, Abderrahmane Sissako a eu 2 filles. Ce qui a très certainement influencé son choix de raconter ce fait divers traumatique sous l'angle de la paternité. Pourtant, c'est l'absence d'intérêt des médias occidentaux pour l'événement au cœur de l'intrigue qui fut le déclencheur.

Malgré la violence de son sujet, le spectateur n'est jamais pris en otage. Alors que nous nous apprêtons à voyager une dernière fois au pays des Hobbits, synonyme de divertissement issu des dernières innovations technologiques, ce grand film africain nous rappelle aux fondamentaux. Nous avons vibré. Nous avons été saisis.

Ne jamais sous-estimer Thierry Frémaux et sa capacité à nous faire découvrir de telles œuvres que je range désormais à coté de Persépolis ou de No Man's Land de Denis Tanovic. "Faire un film, c'est résister" a déclaré Sissako. Nous avons beaucoup de chance en France de pouvoir découvrir de si belles œuvres issues du continent africain qui risque fort de se retrouver dans le top 3 de vos films préférés de cette année.

Mr Turner : un biopic dont la beauté plastique mérite bien une toile

par Jérôme
le 03 décembre 2014 à 00:13

Le nouveau film de Mike Leigh sort sur nos écrans français ce mercredi 3 décembre 2014. Son interprète principal Timothy Spall avait remporté le prix d'interprétation masculine en mai dernier. Mike Leigh est un grand habitué de Cannes : lauréat de la Palme d'Or en 1996 avec Secrets et Mensonges, il avait également obtenu le Grand prix du jury en 2010 pour le trop vite oublié Another Year. Le cinéaste anglais compose ici un biopic sur l'un des plus illustres peintre anglais, William Turner (1775-1851).

En apparence, la mise en scène de Mr Turner semble assez classique mais n'en demeure pas moins techniquement irréprochable. Ouvrir le film sur un (magnifique) lever du jour et le conclure sur un coucher de soleil relève bien du convenu limite cliché mais filmés par Mile Leigh, ces plans sont réellement de toutes beautés. Sans représentations à fortes connotations (comme dans le Renoir de Gilles Bourdos) ni d'évasions picturales (comme dans l'inoubliable Frida de Julie Taymor), Mike Leigh ne juge pas et dépeint l'antipathie de son personnage principal sans analyses. Le cinéaste anglais s'attarde sur les faits : la psychologie troublée de JMW Turner ne se perçoit qu'au travers de la partition musicale (irritante) et des grognements (souvent hilarants) de son protagoniste.

A ce propos, plusieurs mois après la projection cannoise, la large gamme de grognements de Timothy Spall est ce qui m'aura le plus marqué. Drôles, impolis, irritants, douloureux...l'expressivité de ces grognements impressionne nos yeux de spectateurs et imprègne la mémoire. Mr Turner est une œuvre qui doit beaucoup à Timothy Spall, dont la performance est vraiment époustouflante. Sa composition justifie à elle seule la vision du film. Les pointes d'humour et les dialogues apportent une dimension très humaine à ce noble portrait d'artiste en miroir de l'Angleterre du dix-huitième siècle.

Ne grognons pas notre plaisir: nous avons aimé le film Mr Turner et nous proposons de le découvrir à votre tour grâce à Diaphana films. Pour jouer et, peut-être, gagner des invitations valables dans toute la France, vous devrez retweeter notre annonce de la sortie du film à votre tour.

Voici la bande-annonce du film en guise de mise en bouche:

« The Search » : Il n’y a que les imbéciles qui ne changent pas d’avis

par Jérôme
le 23 novembre 2014 à 05:47

Cannes 2014. The Search. Les réactions sont mitigées. Une partie de la presse tire sur le film après sa projection du matin. En soirée, le public lui réserve un accueil plus chaleureux comme vous pouvez le voir dans notre vidéo ci-dessous.

Pour toute la rédaction de Cannes en Live, nourrie aux programmes de Canal+ et admiratrice du réalisateur oscarisé de The Artist , la priorité du dernier festival de Cannes était bel et bien de découvrir The Search, le cinquième film de Michel Hazanavicius.

Nous avons été quelque peu frustrés. Nous savions que le projet trottait dans la tête du cinéaste depuis très longtemps, que l'Oscar lui avait permis de réunir le budget nécessaire à la réalisation de ce film complexe, mélangeant les genres et en rupture avec les productions cinématographiques actuelles. Mais si la version cannoise de The Search était prometteuse, si l'immense envie de raconter cette histoire transpirait à l'écran, nous avions trouvé sa forme inaboutie.

Une semaine après la présentation du film, Michel Hazanavicius décide de repartir en salle de montage. Plusieurs réalisateurs, après avoir essuyé un retour mitigé de la part de la presse et du public lors de leur passage à Cannes, ont connu la même expérience : Nicole Garcia pour Selon Charlie, Guillaume Canet pour Blood Ties , ou encore Richard Kelly pour Southland Tales. Au final, très peu ont réussi à améliorer notablement leur film.

C'est sans réelle attente que nous nous sommes donc rendu à la projection de la nouvelle version, remontée et raccourcie de près de 20 minutes, et qui sera celle distribuée en salles à partir du 26 novembre. Deux heures plus tard, nous sommes sous le choc. L'émotion est palpable dans toute la salle, et les spectateurs applaudissent à tout rompre dès le début du générique de fin.

Michel Hazanavicius a réussi son pari : fixer dans nos mémoires cette histoire de destins croisés en pleine guerre de Tchétchénie. The Search est à la fois un saisissant brûlot antimilitariste et une fable humaine profonde dont la puissance émotionnelle nous a laissé sans voix. Dans la lignée de Traffic de Steven Soderbergh, le nouveau montage constitue un patchwork édifiant qui prend aux tripes, et ne vous lâche plus longtemps après la projection. Comme si ce remontage avait permis au cinéaste de mûrir encore plus cette histoire complexe pour mieux nous la restituer.

Après cette projection, l'envie d'en savoir plus sur le processus artistique, et notamment ce remontage, nous démange. Un processus créatif est un chemin de croix lent, long et douloureux. Les films présentés à Cannes sont souvent terminés dans la précipitation afin d'être montrés à temps au cours du festival. La date de cette projection arrive parfois trop tôt sans que le réalisateur ne soit parvenu à l'aboutissement de ce processus.

En apprenant que le réalisateur François-Régis Jeanne (auteur des remarquables documentaires Qui veut la peau d'Olivier Marchal ? et Fucking Kassovitz), avait dégainé sa caméra sur le tournage de The Search, nous l'avons contacté. En pleine élaboration de son nouveau projet Dans la peau de Michel Hazanavicius, il revient en exclusivité pour Cannes en live sur les secrets de tournage du film.

« J'ai eu la chance de suivre Michel pendant une grande partie de la création du film, puis ensuite lors des différentes projections test, avant et après Cannes. Michel, Bérénice et l'ensemble de l'équipe du film m'ont complètement ouvert la porte. J'en ai profité. Voici quelques-unes de mes impressions.

« Michel Hazanavicius est un punk »

Je crois pouvoir dire que Michel a une vraie ambition, et que d'une certaine façon, sous son air calme, c'est un punk. Il fait le film qu'il a envie de faire même si ça ne correspond pas à un genre consacré. Le paradoxe du cinéma, c'est que chaque film est un prototype mais qu'en même temps, tous les financiers ont besoin d'être rassurés par des recettes qui ont déjà fonctionné. Ici, aucune recette. Ni du côté du cinéma Hollywoodien, ni du côté d'un cinéma d'auteur. Son seul critère, c'est son envie.

Cette envie est née du sentiment d'injustice à l'égard d'un peuple qualifié de « terroriste ». Il s'est demandé pourquoi aucun film n'avait été fait sur le conflit. Il s'y est intéressé et ce qu'il a découvert l'a marqué. Il a voulu le retranscrire de la façon la plus juste. Et le film de Fred Zinnemann, « Les anges marqués » (1948), l'a inspiré et aidé à se lancer dans ce projet, même s'il s'en est finalement beaucoup démarqué.

« L'important c'est le regard »

C'est un film sur la capacité de garder son humanité dans un conflit. Il avait cette envie de film avant de faire « The Artist » et ce sont les Oscars qui lui ont permis de le faire. Je crois qu'il est convaincu que si le regard est suffisamment abouti, travaillé, fort, le film sera réussi. Michel parie sur l'intelligence du spectateur. L'intelligence et le discernement font partie de ses grandes qualités. Il cherche toujours à aller au-delà de la généralisation facile pour trouver la nuance. Par ailleurs, dans la vie et sur le plateau, l'homme au palmarès exemplaire refuse d'être pris pour un maître de cinéma. Il ne se voit pas comme ça. Et, au fond, je crois qu'il a une très grande forme de respect pour le public. Il le juge intelligent, ouvert, apte à ne pas être manipulé au-delà de l'histoire qu'on lui raconte. Et selon lui, cette histoire ne pouvait pas être racontée avec trop d'artifices.

« L'émotion mais pas à n'importe quel prix. »

Michel avait des partis pris de mise en scène forts. Notamment, il ne voulait pas que les conflits des personnages occidentaux prennent le pas sur ceux des personnages tchétchènes et russes. Deux des quatre histoires qui composent le film sont interprétés par des non-professionnels parce qu'il y a très peu de Tchétchènes acteurs de métier. Ça ne lui a pas fait peur. Hervé Jakubowicz, le directeur de casting, a parcouru le Pankisi, région à la frontière de la Tchétchénie, à la recherche de perles rares.

Autre parti pris de mise en scène : il ne voulait aucun score musical pour appuyer les émotions des personnages. Il voulait un film d'émotion mais sans forcer la dose. Ainsi, le ton est très différent du film original « Les Anges Marqués », qui penche bien plus vers le mélodrame. Il voulait garder ce côté brut dans chacune des histoires.

« Comment retranscrire différentes réalités de la guerre ? »

Comme le film est un « patchwork » de différentes réalités de la guerre, chaque réalité avait son propre tournage avec ses propres difficultés. Rien à voir entre diriger Maxim (le jeune homme qui joue le soldat Russe Kolia), Annette Benning, Bérénice Béjo, et le petit Abdul Rahim qui joue Hadji. C'était étonnant de voir passer Michel de séquences de jeu entre Bérénice et Annette Bening à de vieilles femmes Tchétchènes inexpérimentées en train de faire des blagues sous les bombes, ou encore de faire hurler toute l'équipe pour encourager Zurkha (qui joue la grande sœur), à donner le maximum d'elle-même. Chaque journée avait une tonalité très différente. Annette Benning et Bérénice Béjo ont joué le jeu de la lumière crue et du maquillage très léger. Loin du glamour d'« American Beauty », Benning était totalement incollable sur le sujet, puisqu'elle avait lu tous les articles d'Anna Politkovskaïa et le journal du soldat russe Arkady Babchenko, qui avaient inspiré Michel.

« L'expérience du tournage»

Michel a chargé la barque en terme de difficultés de tournage. Mettre en scène un enfant, on sait déjà que ça n'est pas facile. Tourner dans plusieurs langues étrangères en Géorgie, pays plus très habitué au cinéma et à priori plus affectif que rationnel, a donné lieu à d'authentiques moments d'incompréhension. Comme par exemple, au bout de cinq semaines, quand Michel demande à l'équipe pourquoi le tournage prend une demi-heure à trois quarts d'heure de retard chaque matin, parce qu'un type qui a les clefs du camion ne s'est pas réveillé.

Le film est devenu un parcours émotionnel pour Michel et Bérénice eux-mêmes. De la même manière que les scènes du film testaient les limites de la nature humaine, le tournage a été une grande expérience de vie pour tous. Le tournage de la première scène du film avec des « acteurs » qui avait réellement vécu le conflit a été très intense. Ils fondaient en larmes devant les séquences tournées la veille. L'oncle d'Abdul Rahim (qui joue le petit Hadji) est d'ailleurs plusieurs fois intervenu sur les scènes que jouait son neveu à cause des insultes contenues dans les dialogues : les Tchétchènes ont certaines règles qu'il faut respecter. Quand il a vu le film monté, il avait les larmes aux yeux, tant le film était fidèle à ce qu'il avait vécu dans la réalité.

« Cannes, la grande essoreuse »

Enfin, j'ai pu suivre de près l'essoreuse de Cannes. Le festival de Cannes, ça peut aussi être très brutal. Toute une rédaction crie au génie, et le lendemain, certains critiques se déchaînent, parfois de manière extrêmement violente. C'est Cannes, c'est le jeu. Les sifflements, les quelques tweets aussi rapides qu'incisifs. Puis le soir, à la projection publique, standing ovation. Qu'est-ce que ça veut dire? Plutôt que de s'attarder sur des attaques qui pouvaient presque sembler personnelles, Michel a réfléchi à ce que ces critiques pouvaient désigner dans le film. Une semaine après la projection cannoise, il a modifié le montage. Il a suivi le conseil de Billy Wilder « Laissez le spectateur faire l'addition que 2 et 2 font 4, il vous en sera reconnaissant pour toujours ». Il a enlevé les éléments qui « commentaient trop » le film. Ça ne semble presque rien, mais pourtant ça change énormément l'expérience du film. »

Michel Hazanavicius a eu raison d'écouter les conseils de Billy Wilder. Le résultat est sidérant.

Enfin, à ceux qui penseraient que The Search ne serait qu'une œuvre de propagande de plus au milieu d'une production cinématographique pré-calibrée, écoutez donc l'avis du réalisateur Danis Tanovic qui reçut l'Oscar du meilleur film étranger pour le fabuleux No Man's Land (découvert également à Cannes en 2001). Cette interview a été réalisée en août 2014 par François-Régis Jeanne sur le pont de Sarajevo, là où eu lieu l'assassinat de François-Ferdinand, l'évènement à l'origine de la première guerre mondiale.

« On ne peut pas gagner dans la guerre. C'est pour ça que je pense que c'est important d'en faire des films. » dit Danis Tanovic.

C'est devant une œuvre aussi audacieuse que The Search que nos âmes de cinéphiles se laissent aller à rêver que le cinéma peut aider à changer les choses. Dès le 26 novembre prochain, nous vous conseillons vivement de ne pas attendre pour découvrir le film.

Après les réussites publiques et artistiques des deux OSS 117 et de The Artist , Michel Hazanavicius délaisse un court instant la comédie, et nous offre une œuvre intense à portée universelle: c'est vraiment la Classe Américaine !

« Respire » : un deuxième long métrage très réussi pour Mélanie Laurent

par Olivier
le 11 novembre 2014 à 04:38

Mélanie Laurent avait envie d'adapter depuis longtemps le roman éponyme de Sophie Brasme, publié en 2001, qu'elle avait dévoré à l'age de 17 ans. Et pour cause...

"J'ai voulu mettre en scène une perverse narcissique et sa victime. Parce que dans mes années lycée, je me suis faite +emmerder+ comme des milliers de jeunes filles. On tombe sur quelqu'un qui vous fascine, on se brouille avec son ancienne bande. L'étau se referme comme dans une prison. On devient très vite parano. Il y a peu de compassion à cet âge-là. On est cruel. On peut subir un harcèlement moral qui, du reste, a dû s'accentuer aujourd'hui avec les réseaux sociaux", explique celle qui voulait être réalisatrice depuis l'enfance, et qui devint actrice par hasard.

En me rendant à la projection officielle en mai dernier, j'avoue que je craignais un peu cette séance spéciale de la semaine de la critique . N'ayant pas lu le livre, le pitch me laissait craindre une histoire classique, voire clichée, sur les problèmes d'ados, les peines de coeur… Et puis, en faisant un film sur deux nanas, Mélanie Laurent ne cherchait-elle pas à surfer sur le succès de La vie d'Adèle , palme d'or du précédent Festival de Cannes ? Après un premier film réussi, Les adoptés en 2011, Mélanie Laurent allait-elle transformer l'essai ?

Homme de peu de foi que je suis ! Respire traite avec brio de la fascination et du désarroi d'une victime face à une manipulatrice, d'une relation d'amitié qui va s'avérer toxique, cruelle, violente. En tant que spectateurs nous assistons, impuissants, à la manipulation psychologique de Sarah (Lou De Laâge) détruisant lentement Charlie (Joséphine Jappy) une jeune lycéenne séduite par le tempérament et le charisme de la nouvelle venue.

L'empathie est totale pour les 2 personnages, même pour Sarah dont le personnage complexe cache évidemment un lourd secret. On y croit, on s'identifie, on est pris aux tripes devant cette lente et déchirante descente aux enfers, au fur et à mesure que l'étau se resserre.

Le film doit beaucoup à l'interpretation magistrale de Josephine Japy (repérée par Mélanie Laurent dans Cloclo de Florent Emilio Siri) et de Lou de Lâage (repérée elle dans J'aime regarder les filles de Frédéric Louf). Bien dirigées par Mélanie Laurent, les 2 actrices s'expriment selon une palette d'émotions très riche et avec une extrême justesse.

Ce fût sous une immense standing ovation que l'ensemble de l'équipe du film (y compris ses techniciens qui avaient fait le trajet jusqu'à Cannes) vit la lumière se rallumer.

Si l'actrice (révélée en 2006 dans Je vais bien, ne t'en fais pas de Philippe Lioret) divise, la réalisatrice Mélanie Laurent confirme un savoir-faire certain en signant un film oppressant (d'où le titre) d'une grande justesse, et révélant s'il le fallait le talent de Joséphine Japy et Lou de Lâage.

A ne pas rater en salle dès le 12 novembre, surtout que nous vous proposons de gagner10x2 invitations pour découvrir le film !

La bande annonce de Respire et nos photos de la projections officielle à la semaine de la critique :

10x2 places à gagner pour découvrir « Respire » de Mélanie Laurent

par Olivier
le 10 novembre 2014 à 12:17

Un grand merci à Gaumont qui cette semaine nous permet de vous faire gagner pas moins de 20 invitations pour découvrir Respire de Mélanie Laurent, présenté mai dernier en séance spéciale à la Semaine de la critique , et qui sort ce mercredi 12 novembre en salle.

Pour jouer c'est très simple. Ceux qui nous suivent connaissent maintenant bien le principe : soyez vigilants mercredi et guettez notre tweet annonçant la sortie en salle du film. Les 10 premiers à le retweeter gagneront des invitations valables pour 2 personnes et dans toute la France.

Pour son second long métrage après Les adoptés, Mélanie Laurent avait envie de faire faire un film sur la détestation et les pervers narcissiques, et a choisi d'adapter le roman éponyme de Sophie Brasme. Nous assistons à la manipulation psychologique de Sarah (Lou De Laâge), détruisant lentement Charlie (Joséphine Jappy) une jeune lycéenne séduite par le tempérament et le charisme de la nouvelle venue. Mélanie Laurent signe un film d'une grande justesse, prenant aux tripes le spectateur et révélant (s'il le fallait) le talent de Joséphine Japy et Lou de Lâage.

Nous reviendrons dans les jours qui viennent sur le film, l'un de nos coups de Cœur de Cannes 2014, qui fût salué par une longue standing ovation lors de sa projection. Pour patienter, voici la bande annonce :

« Bande de filles » : la banlieue noire et bleue

par Jérôme
le 21 octobre 2014 à 23:53

Le troisième film de Céline Sciamma (Naissance des pieuvres, Tomboy) était très attendu sur la Croisette en mai dernier et faisait l'ouverture de la Quinzaine des réalisateurs. Nous n'avions hélas pas pu le découvrir à Cannes (trop de monde dans les filles d'attentes et trop de bons films en même temps ce jour là) et vous en parler alors. Mais disons-le haut et fort maintenant: Bande de filles est un pari gagné pour la singulière réalisatrice française et le film confirme tout le talent de Céline Sciamma pour parler de l'adolescence tourmentée.

Bande de filles dresse un tableau de ces filles des quartiers loin de tous clichés et aux antipodes de ce que le cinéma français nous a offert de voir sur les banlieues jusqu'à présent. Tous les personnages du film, filles et garçons sont noirs. Marieme a 16 ans et, comme beaucoup d'adolescents, cherche sa voie, et se cherche. Elle s'adapte pour (sur)vivre selon les codes des hommes de la cité, entre l'autorité violente de son frère ainé, un système scolaire indifférent et ses copines du quartier. Quel avenir s'offre alors pour ces adolescentes sinon celui des "horizons bouchés" ?

Pourtant pour s'en sortir, il faut être prêt à se battre...et le film s'ouvre justement sur une saisissante scène de jeu de football américain comparable à une lutte. La liberté a un prix et seuls les plus forts la gagneront. Rien d'étonnant donc à ce que Marieme se fasse très vite appeler "Vic", le diminutif de Victoire dans sa vie sociale. Sa recherche identitaire est ponctuée par plusieurs affrontements. Chacune de ses expériences forgeant chaque fois un peu plus son caractère, la recherche de sa vision de la liberté la motive. Liberté qui se matérialise alors en des tons bleutés apparaissant très souvent au cours du film...notamment lors de LA scène chorégraphie sur le tube "Diamonds" de Rihanna. Pour les autres scènes bleutées, nous vous laissons les découvrir par vous même: on ne va tout vous dévoiler non plus !

Céline Sciamma filme ses protagonistes avec un infini respect et démine tout préjugé sur ces filles du quartier que nous croisons toutes et tous dans le métro ou dans la rue. Pas de lyrisme emphatique ou de misérabilisme outrancier...pas de jugement non plus... Marième/Vic assume ses choix et se heurte aux limites et aux pièges de son comportement et de ses propres actes. La mise en scène de Céline Sciamma s'appuie sur des ellipses pour mieux fractionner le récit et révéler les "phases" de l'évolution de l'héroïne, comme le faisait Katell Quilevere dans Suzanne. Les fragments de la vie de Marieme/Vic qui nous sont contés sont ainsi intercalés par un fondu au noir chargé de la musique intrigante du groupe Para One qui avait déjà signé la bande originale de Naissance des pieuvres et la chanson de Tomboy. Sur la longueur du film, ces effets de mise en scène attisent la curiosité du spectateur et s'avèrent fort habiles.

Dommage que la toute dernière partie du film en rajoute un peu trop. Vic doit elle devenir un "Homme" pour être aussi libre comme le sont les hommes qu'elle côtoie? Cet ultime questionnement n'était peut être pas nécessaire même s'il souligne le rôle essentiel du modèle paternel sur l'éducation en général et sur sur la personnalité de Vic en l'occurrence. Alors que tout le reste du film ne présentait aucune vulgarité (aussi bien dans les actes que dans les dialogues) ni voyeurisme, nous regrettons de les voir apparaître alors. Mais même si cette dernière partie reste la moins convaincante, elle ne remet pas pour autant en question les nombreuses qualités du film et les valeurs humaines qu'il véhicule.

Bande de Filles invite donc à la réflexion et communique réellement un point de vue différent sur la banlieue à travers le regard attachant porté sur ses héroïnes. Vous en doutez? Allez voir le film et vous n'écouterez déjà plus jamais le tube de Rihanna de la même manière! Votre propre regard sur les filles de quartier pourrait bien changer. Car ces filles ne sont réellement pas des personnages fictifs que la réalisateur aurait idéalisés. En ce sens, le casting du film fut particulièrement difficile car la réalisatrice tenait à avoir des actrices non professionnelles: "Le casting s'est déroulé sur une période de 4 mois. Un casting sauvage qui nous a fait rencontrer des centaines de jeunes filles, croisées dans la rue, les centres commerciaux, la Foire du Trône...mais je dois dire que nous étions soufflés par la grande qualité de présence et d'énergie de la majorité des filles que nous avons rencontrées. De l'intelligence, de l'humour, de l'invention, du style: le processus de casting m'a complètement confortée dans l'idée que les filmer était indispensable"

Enfin, Céline Sciamma tenait absolument à utiliser une musique contemporaine pour cette fameuse scène de danse pour laquelle elle dut demander l'autorisation aux agents de Rihanna. Leur réponse fut positive une fois seulement que la star eut visionné elle-même la scène. De l'audace...encore et toujours de l'audace ! Dans le Cinéma français actuel, cette audace mérite toute votre attention.

Vous avez envie de découvrir Bande de filles en salles? Grâce à Pyramide films , nous sommes heureux de vous faire gagner 5x2 invitations valables dans toute la France. Pour jouer, nous vous donnons rendez-vous sur notre fil Twitter @cannesenlive à partir de mercredi prochain 22 octobre, jour de la sortie du film.

La bande annonce :